Výstava Alexandra Kitajeva v Centre fotografie bratov Lumiérovcov bola skutočnou udalosťou v kultúrnom živote Moskvy. Kitajev je jedným z popredných petrohradských fotografov, organizátor a kurátor mnohých projektov a v poslednom čase aj historik fotografie. V histórii fotografických záznamov Petrohradu od čias Ivana Biankiho až po súčasnosť má nesporne svoje miesto tým, že vytvára nenapodobiteľný obraz MESTA. Kitajevova hlavná a obľúbená téma, Petrohrad, je po prvýkrát zastúpená v takom veľkom meradle. Výstava 130 originálnych diel vytvorených v priebehu štvrťstoročia.
Luna. 1995 g.
Alexander Kitajev z rozhovorov v priebehu rokov:
„Existuje pojem „multifunkčný pracovník“, t. j. človek, ktorý je zručný vo viacerých povolaniach. V oblasti fotografie som tak trochu „multifunkčný“.
„Moje profesionálne krédo sa vyvinulo na základe dlhoročných skúseností: „Nikdy nerob to, čo je dnes žiadané.“. „Každodennú prácu považujem za príkaz, za násilie voči slobodnej tvorivosti, ktorá by mala reagovať len na vnútorné hnutia duše.“.
„Jedného dňa som si uvedomil, že fotografia vo mne pohltila všetko ostatné, že moja krv obsahuje okrem červených a bielych krvných častíc aj svetlocitlivé halogenidy striebra a že bez ich neustáleho vnímania nie som životaschopný, že fotografia sa stala mojím spôsobom života, mojím spôsobom vnímania a komunikácie. Bolo to okolo roku 1987.
„Fotoaparát sa musí stať predĺžením ruky a uvoľniť hlavu, aby sa mohla naplno ponoriť do tvorby obrazu.“.
„… Petrohrad je pre mňa nadčasový a snažím sa zachytiť nemenné duchovné jadro tohto mesta ako človeka. Je rozporuplná, táto osoba“.
„Portrétovanie nikdy nezmizne, pretože každý človek na tejto planéte sa zaujíma predovšetkým o seba, o okolnosti, ktoré sa mu ponúkajú, alebo o okolnosti, ktoré by sa mu mali. Ďalšia vec je, že portrét nie je vhodný pre rafinované intelektuálne a formálne postmodernistické hry, ktoré vládnu v dnešnom umení. Pre mnohých umelcov je teraz dôležité čo najhlasnejšie zakričať: „Ja som umelec!!!“. A nezáleží mu ani na tom, či sa ozve ozvena. A v portréte je umelec vždy na druhom mieste, pričom postava je na prvom mieste. A portrét je adresovaný prinajmenšom do zajtra. A portrét predpokladá prinajmenšom zvládnutie remesla, školu. A pre súčasné umenie nič z toho nie je „relevantné“. To je dôvod, prečo sa dnes toľko umelcov zdržiava tvorby portrétov. Som v zadných radoch. „Relevantnosť“ v súvislosti s umením je pre mňa nadávka.
Alexander Kitajev.Foto: Stanislav Chabutkin.
Ľadová kryha na rieke Moika. 2003 g.
– Alexander, v posledných rokoch ste výrazne obmedzili svoje výstavné aktivity, vaše samostatné výstavy sa stali zriedkavými, ako dovolenka. Čím sa pre vás táto výstava stala??
– Boli časy, keď som mal niekoľko samostatných výstav ročne, nehovoriac o účasti na desiatkach skupinových výstav. Veľa fotografujem, veľa tlačím a chcem, aby ľudia videli plody mojej práce. Teraz sa čoraz viac venujem histórii fotografie a vyučovaniu. Mám čoraz menej času na organizovanie vlastných výstav. Ale ak dostanem ponuku na výstavu a podmienky sú prijateľné, prijmem ju. Táto výstava pozostáva z niekoľkých sérií a cyklov fotografií vytvorených v minulosti. Každá z týchto sérií bola určitým spôsobom míľnikom v mojom živote, ale nikdy neboli vystavené všetky spolu. Výstavu možno len ťažko nazvať súhrnom, ale skôr retrospektívou.
– Určite ste jedným z najznámejších Slovenskách fotografov. Je takáto popularita príjemná a ako sa vám s ňou žije??
– Pojem „slávny“ sa na fotografa sotva vzťahuje. Tí, ktorí stoja za objektívom, sú málokedy známejší ako tí pred objektívom. Možno je to špecifikum tejto profesie. Človek si nemôže pomôcť, ale myslí na architektov? Ich umelecké diela máme neustále pred očami, všetci ich obdivujeme a obdivujeme, ale len málokto si pamätá ich tváre alebo mená ich tvorcov. Rovnako je to aj s fotografmi: osvetľujú a osvetľujú svet okolo seba, ale sami takmer vždy zostávajú v tieni. Môžeme teda hovoriť len o veľmi obmedzenom uznaní, t. j. o uznaní v určitom okruhu ľudí, ktorých profesionálna činnosť je tak či onak spojená s „konzumáciou“ fotografie.
Myslím si, že to, že som, ako hovoríte, „slávny“ v určitom kruhu , má dve celkom objektívne príčiny. Fotografovaniu sa venujem už dlho a počas tohto obdobia došlo k prirodzenej výmene generácií. A v každej komunite alebo profesii musí vždy existovať autorita. Momentálne som to ja. Nemá to teda nič spoločné s mojím mimoriadnym talentom, ale jednoducho som si zachoval svoj prvotný tvorivý impulz a pocit autorstva ako malého článku v nekonečnej fotografickej štafete. No druhý aspekt tiež súvisí s časom. Na začiatku 21. storočia, s príchodom nových fotografických technológií, sa fotografovaniu začali venovať milióny ľudí na celom svete. Mnohí z nich sa chcú vo svojom koníčku zdokonaliť a hľadajú niekoho, od koho by sa mohli učiť a kto by ich viedol. Moje fotografie sa páčia mnohým ľuďom, a teda podľa zákona veľkých čísel aj mojej sláve.
A čo sa týka „pekného“ a „ako žiť“, tak ako každá medaila má dve strany. Keďže som na očiach verejnosti, musím sa pozerať na veľa fotiek, väčšinou zlých. A nielen sa na ne pozrieť, ale aj niečo o nich povedať, vysvetliť, pretože ľudia za mnou chodia po radu, po pomoc, po posúdenie. Je to únavné a nudné na pohľad. Moja popularita mi zároveň umožňuje riešiť mnohé problémy s menším úsilím a energiou. Či už ide o ponuku s kupujúcimi alebo rokovania s úradníkmi o výstavách.
– Ako vo mne vychovať umelca?
– Veľa závisí od východiskových podmienok: rodiny, spoločenského prostredia, miesta narodenia atď. Narodil som sa, ako sa hovorí, do „jednoduchej“ rodiny. Moji rodičia sú roľnícke deti. Môj otec sa stal automechanikom a moja matka zdravotnou sestrou. Spoločenský okruh mojich príbuzných teda nebol príliš naklonený umeleckým aktivitám. Ale naučili ma tvrdo pracovať. Ako mladý muž som sa okrem fotografovania naučil aj veľa remesiel. Pracovať nudne, mechanicky ma vždy nezaujímalo a v každej profesii som niečo vymyslel, bol som kreatívny. Keď sa fotografia dostala do popredia môjho života, pochopil som, že bez zmeny môjho sociálneho prostredia pracoval som ako zámočník v továrni nebudem schopný sám zvládnuť umenie, a nie remeslo. Vtedy, na začiatku 70. rokov., a vstúpil som do jedného z najlepších fotografických klubov v krajine v tom čase, do klubu Vyborg Palace of Culture VDK . Bol to prvý krok. Neskôr, keď som už pracoval ako remeselný fotograf v továrni, som sa usiloval vzdelávať v humanitných vedách. O krok ďalej: v roku 1987 som vstúpil do fotoklubu „Mirror“, kde vládla tvorivá atmosféra. No a potom som mal šťastie: stretol som sa a spriatelil s pozoruhodným umelcom a polyhistorom Pavlom Potekhinom. On je ten, kto dokončil moje umelecké vzdelanie.
Som presvedčený, že titul umelca nemôže byť titulom sám o sebe. Vo všetkých dobách a vo všetkých generáciách fotografov boli fotografi, ktorých diela vždy vynikali. Ich súčasníci ich nazývali umelcami, aby ich vyčlenili z davu. Už som niekde povedal, že keď som mal výstavy a ľudia mi hovorili: „Pozrite, tam je ten umelec“, nervózne som sa obzeral, o kom to hovorí? Ukázalo sa, že o mne. Bolo to veľmi nezvyčajné. Tento titul je teraz dosť ohrozený. Mnohé univerzity a iné vzdelávacie inštitúcie pripravujú umelcov v rovnakom časovom rámci ako inžinierov a učiteľov stredných škôl. A mnohí ľudia, ktorí si vezmú do ruky fotoaparát, si hneď objednajú vizitku, na ktorej je napísané, že jeho majiteľ je fotograf a umelec. Nechcem sa pridať k týmto ľuďom. Mám pocit, že v súčasnosti to tak nie je. Výraz „fotograf – umelec“ nemá väčší zmysel ako výraz „cestujúci v električke“.
– Aby ste Petrohrad natočili s takou dojímavosťou, musíte ho veľmi dobre poznať a cítiť. Ako sa formovala vaša vízia mesta??
– Ako vznikol? Pokúsim sa vám o tom porozprávať, ale nemyslite si, že to bola vedomá misia, ktorú som si stanovil, keď som bol mladý. Akoby sa všetko dialo samo od seba. Vždy som veľa čítal a veľkí básnici a spisovatelia napísali o Petrohrade mnoho diel, ktoré sa odvtedy dostali do klenotnice svetovej literatúry. Keď som sa náhodou zadíval na konkrétny petrohradský objekt: námestie, ulicu, budovu a tak ďalej, všetko sa dialo samo od seba. d., Niečo som o nich už vedel z literatúry. Ale vždy som chcel vedieť viac: životopis subjektu: kto boli jeho rodičia, kedy sa narodil, v akom čase to bolo? Aby som uspokojil túto zvedavosť, musel som študovať históriu Petrohradu, a kvôli nej aj históriu všeobecne; históriu petrohradskej architektúry a architektúry všeobecne; životopisy tvorcov a slávnych obyvateľov, a teda aj geografiu. Samostatne ikonografia Petrohradu, a teda aj dejiny výtvarného umenia. Je tu celý komplex, nemôžem vymenovať všetko. Pre mňa je jedna vec istá: Mesto formovalo mňa a moju víziu. Možno sa rozhodol niečo urobiť. A ja som mu zaviazaný. Neviem, ako to je, ale na rozdiel od mnohých mojich spoluobčanov nechodím na barikády v boji proti tej či onej inovácii v Petrohrade. Viem, že „génius tohto miesta“ si poradí so všetkým, čo nie je podľa jeho predstáv, a Boh sa postará o zvyšok. Mám pocit, akoby som v tom meste žil viac ako tri storočia, a viem, že žiadne taktické zásahy nemôžu zmeniť jeho stratégiu. Je to mesto, ktoré nás vlastní, nie my jeho!
Pri dokumentovaní svojho mesta som nikdy neuvažoval o predaji svojich snímok alebo o fotografovaní na objednávku. Vždy som to bol ja, kto ho objednal. Živil sa a tvoril prostredníctvom inej, úžitkovej fotografie. Myslím si, že sa to odtlačilo na mojich fotografiách.
– Môžete vymenovať fotografie, ktoré skutočne začali umelca Alexandra Kitaeva?
– Viete, že pracujem v rôznych žánroch? Veľmi dobre si pamätám na fotografiu, po ktorej som si povedal: Teraz môžeš fotografovať Petrohrad. To znamená, že som si uvedomil, že zmysel Petrohradu, ktorý vo mne žil, som dokázal vtesnať do obrazového listu. Bolo to okolo roku 1982, po viac ako desiatich rokoch fotografovania. Vtedy som na sebe pocítil – a okolie to ešte nevidelo -, že sa začína formovať to, čo kritici neskôr nazvali „Kitajevov Petrohrad“. V ostatných žánroch to bolo viac-menej rovnaké. Až na to, že keď som sa začal venovať fotografii okolo roku 1989 , okamžite som začal robiť niečo, čo sa veľmi líšilo od toho, čo robili moji predchodcovia v tomto žánri.
Joseph Brodsky raz študentom vysvetlil, že básnikovo dielo je vždy v procese tvorby, vo výbere, a že básnik je niečo ako Herkules. Jeho výkony sú jeho básne. Z jedného, dvoch alebo troch výkonov sa nedá zistiť, čo je Herkules zač. Herkules má všetkých dvanásť. Tak je to vo fotografii: z jedného obrázku sa nedá určiť začiatok cesty, ani rozsah fotografa. A nie je Herkulovou vecou nazývať tvoje skutky skutkami..
– Je vaše dokonalé ovládanie kompozície vrodeným pocitom alebo výsledkom tvrdej práce a dlhoročných skúseností??
– Ani jedna z týchto vecí. Tu súhlasím s Thomasom Mannom: „trvá to trochu času, kým si osvojíte talent, ktorý na to máte.
Fotografovať znamená bombardovať emulziu alebo matricu fotónmi. Toto bombardovanie nie je vždy cielené. Ale mali by ste to robiť aspoň v skupinách. Aby ste sa vyhli pádu na zem, musíte si osvojiť schopnosť kompozície. Možno je táto zručnosť pre ľudí z Petrohradu rýchlejšia a jednoduchšia. Obyvatelia delty rieky Nevy sú obklopení nádherným harmonickým priestorom, ktorý vytvorili prvotriedni architekti; petrohradské múzeá sú plné majstrovských diel výtvarného umenia a ponúkajú príklady dokonalej kompozície. To všetko vychováva oko chtiac-nechtiac už od detstva. Zostáva už len využiť plody tohto vzdelania a dobre sa v ňom zorientovať.
Musím priznať, že takzvané zákony kompozície nie sú niečo, čo by bolo raz a navždy objavené, preštudované a odporúčané na povinné uplatňovanie, ktoré zaručuje úspech. Ľudské oko je čoraz viac vyzbrojené a klasické pojmy kompozičných zákonov boli formulované už v počiatkoch výtvarného umenia, v čase ich pomerne jednoduchého inštrumentária. „Tónová a lineárna perspektíva“, „rytmus“, „predmet a kompozičné centrum“, „rozmanitosť“ atď. p. – To ešte nikto nikdy nezrušil. Moderný umelec však používa ultraširokouhlý objektív alebo objektív s veľmi dlhou ohniskovou vzdialenosťou, fotografuje na infračervený film alebo nahliada do neviditeľného pomocou röntgenu atď. d. To všetko rúca zaužívané predstavy o priestore a predmete, podnecuje ma k tvorivému mysleniu a prispôsobuje ich modernému ľudskému pohľadu. Podľa môjho názoru sa zákony kompozície vždy objavia až po dokončení práce. Umelec vytvorí dokonalé umelecké dielo, keď počúva niečo zhora, a nie keď číta učebnicu. Prichádza teoretik, rozkladá obraz na jednotlivé zložky, váži ho, dotýka sa ho, meria ho a dáva všetko na svoje miesto. Potom napíše recepty na získanie majstrovských diel.
– Neustála snaha o dokonalosť je snahou o niečo nemožné a nedosiahnuteľné?
– Nie, nie je! Len sa z neho snažím vyťažiť čo najviac. Určitá ladička vo mne, podľa ktorej pochopím, či som niečo dosiahol alebo nie. To má, ako každá tvorivá práca, dva aspekty: techniku a samotné umenie.
Z hľadiska techniky je to takto. Viete, že stále pracujem v oblasti striebornej technológie? A to, na rozdiel od digitálneho, digitálne, neumožňuje urobiť krok späť. Celý strieborný fotografický proces s povinným viacstupňovým a nemomentovým cyklom spracovania obrazu udáva určitý rytmus života. Strieborný 35 mm film má iba šesť stôp a päť centimetrov. Ale zakaždým, keď sa s ňou zaoberáte, pokľaknete pred ňou. Musíte film správne exponovať a nemôžete ho „vyčistiť“ a exponovať znova. Nemôžete vyvíjať a neopravovať, opravovať a neumývať, umývať a nesušiť atď. d. Je disciplinovaný. To zaväzuje, núti postupovať len k ideálnemu, dokonalému negatívu – veď v druhej fáze vytvoriť nemenej dokonalý tlačový pozitív. Aj v tejto oblasti existuje mnoho jemností, povinností a nástrah. Tu je príklad. Prírodný papier si vždy vyžaduje dve ruky. To vie každý grafik. Grafici mali vždy zmysel a mňa učili mať cit pre papier, jeho štruktúru a hustotu, jeho správanie v pozdĺžnom a priečnom smere. Vždy si cenil hmatový kontakt s ním. A ako urážlivé pre nich, a neskôr aj pre mňa, bolo nedbalé zaobchádzanie s prácou na papieri! Príde kupujúci, jednou rukou chytí list a je to, zaručene sa rozpadne! Nehovoriac o odtlačkoch prstov… Hneď vidíte: pred vami stojí diletant s vreckom plným papierov na obehy.
To je jedna strana problému. Druhým je, že fotograf, ktorý sa snaží byť kreatívny, musí zo seba neustále vytláčať laboratórneho technika po kvapkách. Ach, koľko mojich kolegov si myslí, že dokonalý výtlačok je umelecké dielo, pričom zabúdajú, že dielo nie je ani tak výrobok, ako skôr posolstvo. Zobrazovacie technológie sú v súčasnosti také dobré, že sme úplne obklopení technicky dokonalými fotografickými snímkami. Ak však niečo zobrazujú alebo odrážajú, je to väčšinou dosť primitívny vnútorný svet tvorcu. A nedávajú nič duši ani srdcu náročného diváka. Tu si opäť dovolím citovať Brodského: „Jedným z veľkých problémov, ktorým dnes básnik – či už moderný alebo nie – čelí, je, že poézia, ktorá mu predchádzala – inými slovami, dedičstvo – je taká rozsiahla, že sa jednoducho musíte zamyslieť, či k nej môžete pridať, upraviť svojich predchodcov, alebo zostať sám. …Myslieť si, že ste schopní povedať niečo kvalitatívne nové po ľuďoch ako Cvetajevová, Achmatovová, Auden, Pasternak, Mandelštam, Frost, Eliot.., – …je byť veľmi vyhranený alebo veľmi nevedomý. Ja by som sa zaradil do druhej kategórie. Keď začínate písať, viete len veľmi málo o tom, čo bolo pred vami. Toto poznanie získate až uprostred života a priklincuje vás k zemi alebo zhypnotizuje.
– Pri hodnotení vlastnej práce dôverujete len sebe?
– V posledných rokoch som sa snažil počúvať len sám seba. O vnútornej ladičke som už hovoril. Nemám veľa hitov v unisone a nechcem tancovať na cudziu melódiu. Ani neviem, čo viac by sa dalo dodať.
Nemusíte však vždy počúvať sami seba. Tu je príbeh. Keď som pracoval ako fotograf v lodiarskej továrni, rozčuľovali ma výrobné príkazy, ktoré ma nútili zhotovovať kópie aplikovaných fotografií na drahý strieborný fotografický papier. Napadlo mi, že by som každý takýto list mohol využiť lepšie: vytlačiť naň nejaké beletristické dielo, alebo dokonca „netlennku“. Obzvlášť nepríjemné to bolo, keď obiehali obvody toho či onoho prístroja na ponorke alebo hladinovej lodi. Už vtedy existovali ľahké kopírky a fotokopírky – rýchlejšie a lacnejšie. Ale nie! Požiadavky námorníkov boli nemenné: iba strieborné odtlačky! Začal som sa tým zaoberať a ukázalo sa, že v agresívnom prostredí zachováva obraz len stará dobrá strieborná technológia, ktorá pomáha zachrániť stroskotanú posádku. Keď ide o prežitie v extrémnych situáciách, ako môžete namietať?? Čo majú moje umelecké ambície spoločné so životmi ľudí??
– Aké boli vzťahy s vašimi kolegami??
– V rôznych fázach rôznymi spôsobmi. Kedysi bolo určite dôležité získať uznanie od svojich kolegov. A preto. Sovietski historici napríklad o fotografoch predrevolučného Ruska písali: „Dmitrijevovo umenie prekvitalo v drsných podmienkach cárskych čias“. Teraz sa často hovorí, že ten či onen človek vyrastal v neznesiteľných podmienkach Sovietskeho zväzu. Pre fotografov bola „vážnosť podmienok“ ešte zhoršená úplným neuznaním fotografie medzi umeniami sovietskymi inštitúciami. Ale my fotografi sme si mysleli niečo iné! Okrem toho sme pracovali v informačnom vákuu a vedeli sme len veľmi málo o práci našich zahraničných kolegov, predchodcov aj súčasníkov. Takže sme sa museli učiť hlavne jeden od druhého. Neboli tam žiadni iní odborníci! To je zvláštnosť domácej fotografickej komunity. Spomínam si na prílev galeristov, kurátorov a umeleckých kritikov zo Západu, ktorí po perestrojke prúdili do našej krajiny v snahe dozvedieť sa od svojich Slovenskách kolegov niečo o našej súčasnej fotografii. Boli ohromení: „Čo? Fotografovanie? Existujú takíto umelci??“. To znamená, že fotografia, rovnako ako sex, nemohla v sovietskej krajine existovať..
Potom prišli iné časy a iné vzťahy. Nejako nenápadne sa ku mne dostalo uznanie mojich kolegov. Zo skúsenosti viem, aké ťažké je zachovať si čistotu vnímania a ocenenia práce starých priateľov a známych. Chcem odstup. Vtedy to bolo aspoň trochu ako vnímanie absolútnej hodnoty.
Petersburg. 2005 g.
Stromy. 1992 g.
ústie ulice Sadovaja.1995 g.
Autoportrét s deťmi. 1995 g.
Marec. 2008 g.
Obtokový kanál. 1995 g.
Pickalov most. 2003 g.
Aký vplyv mal Alexander Kitajev na Petrohrad a prečo je tak nepochopiteľný?