Prehľad fotografických festivalov: Photobiennale 2012

Photobiennale je najväčší Slovenská fotografický festival. Koná sa každé dva roky, pričom sa strieda s výstavou „Móda a štýl vo fotografii“, ktorú organizuje Múzeum multimediálneho umenia predtým Moskovský dom fotografie . Fotobienále sa v roku 2012 konalo už po deviatykrát a bolo na ňom vystavených viac ako 60 exponátov. Podľa koncepcie organizátorov mali mať dve línie: hlavnú – „Focus – USA“ rok 2012 bol vyhlásený za rok USA v Rusku a Ruska v USA a „Filmári – fotografi a fotografi – kameramani“.

Chris Marker. Zo série Kórejčania, 1957

So súhlasom umelca a Peter Blum Gallery, New York

Na rozdiel od predchádzajúcich ročníkov napríklad v roku 2008, keď bola do Moskvy privezená retrospektíva Andreasa Gurského a „Prvý kvet“ – jasná expozícia o histórii farebnej fotografie v Rusku, ktorú zostavili kurátori MDF , na Fotobiennale 2012 nebol k dispozícii žiadny takýto vrchol. V porovnaní s bežnými „rodiacimi sa znakmi“ festivalu napríklad jeho nejasnými témami a absenciou spoločného koncepčného rámca pôsobil dojmom zvláštnej „rozmazanosti“, akoby sa záujem organizátorov o myšlienku vyčerpal. Nezapálil – a to si mnohí všimli – obvyklú energiu tvorivého vzplanutia a nadšenia pri prezentácii pokladov fotografie. Napriek tomu bol aj tentoraz k videniu zaujímavý výber západných umelcov, vrátane diel na pomedzí súčasného umenia. To bol azda najsilnejší bod výstavy.

Ako viete, modernita nie je len slovo, ktoré opisuje našu súčasnosť mohlo by sa použiť aj na označenie našich čias v 16. a 18. storočí . Modernita je špecifická etapa vo vývoji kultúry, v ktorej sa tradičná spoločnosť rozpadá, hodnota všetkého inovatívneho sa znásobuje a mestské prostredie sa stáva spoločenstvom neustálych zmien. Americká kultúra je tu akýmsi hlavným symbolom: vždy stála na čele „modernosti“, a to v pozitívnom aj negatívnom zmysle. Nie je preto prekvapujúce, že prezentácia „problémov súčasnosti“ je tak úspešne spojená s „americkou témou“. Pre Slovensko s našou neľahkou históriou, s jeho neustálou túžbou byť vpredu, s jeho monštruóznou skúsenosťou s vynútenými modernizáciami a zároveň s jeho neustálou túžbou ustúpiť z tempa pokroku, zamrznúť v „komunite“ a „triezvosti“, je to pravdepodobne jedna z najnaliehavejších myšlienok na zamyslenie.

Niekoľko projektov tak rozdielnych, ale v mnohých ohľadoch koncepčne a myšlienkovo podobných autorov, ako sú Stephen Shore, Martin Parr, Taryn Simon, Liu Bolin, Ai Weiwei a Alec Soth, vyznieva ako jeden ucelený akord úvah na danú tému.

Jedným z nich je „Amazing Places“ od Shore. Shore, ktorý v sedemdesiatych rokoch cestoval po Amerike a v roku 1982 vydal publikáciu Uncommon Places, bol priekopníkom viacerých súčasných trendov v konceptuálnej a dokumentárnej fotografii. Jeho snímky najjednoduchších výjavov každodenného života vytvárajú most medzi obdobím, v ktorom jeho dielo vzniklo, a našou dobou: povojnovou cestnou a pouličnou fotografiou, zrodom seriózneho záujmu o farbu Shoreovo meno sa tu spomína popri Williamovi Eglestonovi , „nezaujatou“ objavnou fotografiou Bechera, vplyvom na Nan Goldin, Andreasa Gurského a Martina Parra a súčasným záujmom o banalitu ako umeleckú.

Parra zastupoval jeho slávny projekt The Last Refuge. Fotografie New Brightonu 1983-85″. Hoci sa v tlačovej správe uvádza, že séria bola „zaradená denníkom The Guardian do zoznamu ‚1000 umeleckých diel, ktoré musíte vidieť, než zomriete'“, spočiatku vyvolala veľmi zmiešané reakcie. Niektorí diváci to brali ako ostrú a štipľavú politickú satiru, iní ako výsmech pracujúcej triedy, ktorá trávi čas v letovisku v Brightone v angličtine je, samozrejme, slovná hračka: slovo resort znamená „prístrešok“ aj „letovisko“ . Parrov pohľad v sebe spája chladne odvrátený hnev na ponižujúcich politikov? Na hlúposť samotných ľudí, ktorí sa nechajú zmanipulovať? a obdiv k farbám, štruktúre a kráse každodenného života.

Parrova práca je ozvenou zloženej výstavy „Fotografie a texty“ Taryn Simon, ktorá bola vystavená na začiatku festivalu pred jeho oficiálnym otvorením. Obrázky z týchto dvoch projektov sú mimoriadne pôsobivé: „Nevinní“ 2003 a „Americký katalóg skrytých a neznámych“ 2007 . V prvom prípade ide o portréty osôb odsúdených za trestné činy iných osôb na základe ich falošnej fotodokumentácie. Testy DNA zachránili údajných páchateľov pred popravou alebo doživotným väzením, ale mnohí si odsedeli 10-20 rokov. „Americký katalóg“. – séria fotografií objektov, ktoré sú základom a základným kameňom amerického života, ale pre bežného občana a diváka zostávajú „neviditeľné“: Centrum skladovania jadrového odpadu, Kryonický inštitút, kde sú v špeciálnych kapsulách uložené zmrazené telá čakajúce na vzkriesenie, centrála CIA, ktorá pred zrakom skrýva stálu expozíciu súčasného umenia, ktorého niektoré žánre boli zachované na propagáciu „amerického životného štýlu“, a tak ďalej a tak ďalej. Simonove diela, vytvorené zámerne „neutrálnym“, „skúmajúcim“ spôsobom a sprevádzané pomerne dlhými textami, zviditeľňujú neznáme, vrátane propagandy a ideológie, a skúmajú priepasť medzi predstavivosťou, fikciou, manipuláciou a realitou. A tiež medzi textom a vizualitou. Simon skúma fotografiu ako pozadie moderného života a poukazuje na jej úlohu pri vytváraní nášho vedomia a podvedomia.

„Neviditeľný muž“ Liu Bolina je výstava, ktorá sa stáva jemným, ale veľmi definitívnym komentárom k čínskemu politickému a spoločenskému životu a k hlavným svetovým problémom všeobecne a zároveň prekvapivou úvahou o povahe fotografie, skúmaním veľmi odlišných stratégií a typov svetového výtvarného umenia, optických ilúzií a zákonov vnímania. To, čo na prvý pohľad vyzerá ako obrázok, na ktorom je vidieť každý detail, sa z diaľky javí ako hieroglyf, v ktorom sa všetky „ťahy“ a „znaky“ spájajú do jedného obrazu a človek ako autor jednoducho mizne.

Sothova „Neľútostná krása“ sa zdala byť nešťastným kurátorským projektom, ktorého výber a usporiadanie rozmazali dojem z diela jedného z najzaujímavejších umelecko-dokumentárnych umelcov súčasnosti. Soth, rozprávač príbehov a tvorca knižných sérií, dáva svojej práci zvláštnu kvalitu, ktorú sme už videli pri Simonovi a Bolinovi – ironické skúmanie švov fotografie ako „média“, ktoré je zároveň celkom filmové, stláčajúce celý priestor filmu do energického, komplexného jedného záberu.

Od obrazov Shorea, Parra, Simona, Bolinia a Sotha sa tiahnu nitky k ostatným projektom Fotobienále, ktoré sa zhromažďujú, spájajú jeho samotnú štruktúru. Na jednej strane „archívne“ a historické výstavy a na druhej strane spojenie rôznych umeleckých foriem, ktoré tentoraz reprezentuje najmä text, fotografia a film.

Medzi prvé projekty patrila veľká výstava „New York. 1983-1993“ od čínskeho umelca Ai Weiweia. Ai Weiwei, ktorého časopis Art Review minulý rok označil za „najvýznamnejšieho“ vo svojom výročnom zozname „vplyvných súčasných umelcov“, bol kedysi oficiálne uznávaným umelcom, ale v roku 2008 sa stal jedným zo symbolov čínskej opozície. Umelec bol zbitý po tom, čo podporil nezávislé vyšetrovanie zemetrasenia v S‘-čchuane vrátane korupcie v stavebníctve; následne bol zatknutý, jeho ateliér zničený a proti projektovej firme bolo začaté konanie o daňových únikoch. Ľudia vyzbierali prostredníctvom predplatného celkovo 1 milión eur. Samotný projekt, ktorý bol vystavený na Fotobiennale 2012, však vznikol dávno pred opísanými udalosťami. Výstava obsahuje približne 200 snímok New Yorku z celkového počtu 10 000 . . Ide o akýsi druh cestopisu, až na to, že nie je robený ručne, ale fotoaparátom a stáva sa všeobjímajúcou encyklopédiou miestneho života. Údiv nad Západom, podrobná dokumentácia stretnutí s umelcami, vrátane slávnych fotografov ako Robert Frank, a jednoducho každodenné scény, vrátane života imigrantov, to všetko je prítomné v Ai Weiweiovom projekte. Podivuhodné oko zmätenej a popletenej cudzej kultúry s odlišnou estetickou tradíciou si paradoxne všíma a sprostredkúva niečo základné, niterné a dôležité v New Yorku, pričom fotografickým spôsobom odhaľuje predchádzajúce vrstvy vizuálneho, na ktoré samotná kultúra zabudla.

Historická vrstva Photobiennale zahŕňala aj minimálne tri ďalšie zaujímavé výstavy: „From the Heart“ Waltera Rosenbluma „sociálne orientovaná“ dokumentárna fotografia Hineovho a Strandovho žiaka , „America as seen from the car“ Leeho Friedländera jeden z posledných projektov priekopníka pouličnej fotografie, čiernobiele odrazy Ameriky v spätnom zrkadle, úžasné krížové prúdy každodenných scén a nečakané uhly a „New York 1983-1993″ Jensa Erikssona, fotografa, ktorý sa venuje fotografii. 1955“, ktorú kedysi preslávil William Klein porušil Cartier-Bressonov príkaz „neviditeľného fotografa“, jeho odmietanie technickej dokonalosti v prospech spontánnosti a škandalóznu stopu obvinení voči 27-ročnému autorovi za to, že zobrazil Američanov ako príliš neatraktívnych a New York ako mesto slumov .

Jej súčasťou sú aj dve mimoriadne zaujímavé „archívne“ výstavy: „Umenie archívu“, „Umenie archívu“ a „Fotogaléria“. Fotografie Douga Menuza z archívu losangeleskej polície a kniha Neohrozený génius: Digitálna revolúcia v Silicon Valley 1985 – 2000. V prvom rade sa zdá, že obe výstavy sa zaujímajú o samotný materiál, o dokumentáciu toho, čo sa deje. Pri bližšom pohľade sa však vynára otázka, ktorá sa v dejinách fotografie vyskytla už mnohokrát – o neuchopiteľnej hranici medzi jej registračnou, sociálnou a umeleckou zložkou.

„Umenie archívu“ predstavuje približne 100 fotografií z 20. až 50. rokov 20. storočia; negatívy boli náhodne nájdené v roku 2001. Pri pohľade na tieto obrazy miest činu, dôkazov, obetí, vrahov s lupičmi a mŕtvolami sa vynárajú otázky o prekročení a hraniciach prijateľného, o tom, do akej miery by sa obrazy určené pre publikum zarytých odborníkov a kriminalistov mali dostať pred súd bežného diváka, a o podvedomých estetických tendenciách, ktoré si umelec buď vymýšľa, alebo vyberá zo vzduchu. V istom momente sa pristihnete pri zvláštnom pocite: z nejakého dôvodu je to všetko menej šokujúce ako dielo Joela Petra Witkina a to je tu vystavená skutočná vec, nie niečo zámerne prepracované umelcom . Možno preto, že „archívno-reportážna“ fotografia, dokonca aj na výstave, je stále vnímaná ako príliš známe pozadie.

Každú z fotografií Douga Menuza fotograf ich robí už 15 rokov sprevádza mimoriadne podrobný komentár o histórii rôznych projektov v Silicon Valley začal spoluprácou so Stevom Jobsom . Ťažko však celú sériu nazvať uceleným príbehom. Je to skôr zbierka príbehov, v ktorých vizuálna a verbálna stránka hrajú rovnakú úlohu. Pri prechádzaní od karty ku karte si človek čoraz viac uvedomuje: toto nie je len učebnica dejepisu. Postupne vytvára prekvapivo ucelený obraz toho, ako funguje americká kultúra a prečo sa v nej tak dobre udomácňujú inovácie. Je tu aj priama ozvena s „ideologickým“ sporom medzi Kleinom a Cartierom-Bressonom o ne účasť a ne viditeľnosť fotografa na podujatí: Menyes bol „zahrnutý pozorovateľ“, ktorý trávil dni a noci so svojimi postavami v pravom slova zmysle. Sám svoj projekt nazval „hľadaním v oblasti vizuálnej antropológie.

Téma archívov a histórie dostala moderný nádych v dvoch ďalších výstavách na bienále: „Umelec so zlým fotoaparátom“ fotografie Miroslava Tichoga a „Deväť očí Google Street View“ od Johna Ruffmana. Zdá sa, že tieto výstavy rozprávajú dva úplne odlišné a trochu protichodné príbehy. Jeden z nich je o českom avantgardnom umelcovi, ktorého totalitný štát odsunul na vedľajšiu koľaj. Druhá je o všeprenikajúcom, depersonalizovanom a zároveň nečakane osobnom pohľade na súčasné technológie, o ohromujúcom informačnom šume, ktorý vytvárajú a ktorý znemožňuje realizáciu myšlienky súkromia, odstupu a samoty. Obe však kladú otázku tenkej hranice medzi surovosťou a technickým ideálom, amatérstvom a majstrovstvom, umelcovou citlivosťou a šialenstvom, umením a estetickým „odpadom“.

Čo sa týka témy kinematografie, tohto dvojčaťa či súrodenca fotografie, objavila sa na Photobiennale nielen v projektoch, ktoré boli priamo venované niektorým režisérom napríklad dve výstavy o Ingmarovi Bergmanovi . Dokonca aj „priamy“ pohľad dokumentaristu sa ukázal ako „filmový“. Prekvapivý, dlhotrvajúci projekt Petra Huga „Hyena a iní ľudia“ tak nastoľuje otázku núteného hrania a hry, prirodzeného a umelého v sociálnom svete čo je dôležitejšie: prestať mučiť zvieratá alebo venovať pozornosť chudobe násilných? . Nečakané záblesky tejto témy sa objavili dokonca aj vo filmovom archíve Los Angeles, keď sa ukázalo, že policajní fotografi sa v obsadení jedného z „najfilmovejších“ miest na svete vydávajú za hercov a imitujú žáner film noir.

Fotograf sa stal filmárom alebo režisér fotografom, čo je bežná cesta autora dvadsiateho storočia. Už sme si zvykli na festivalovú stálicu Sarah Moon, ktorá tento rok predstaví svoj ďalší projekt „Black Riding Hood“. Fotografické série Wima Wendersa „Obrazy z povrchu Zeme“, s ktorými režisér začal začiatkom 80. rokov a ktoré pokračujú dodnes, sú akýmsi „vizuálnym haiku“. „Náladové a „atmosférické“ veľkoformátové farebné panoramatické zábery pripomínajú Wendersove vlastné filmy a prácu Becherových žiakov, dokumentujúc farbu ako prúdenie života a hranice prázdnoty ako pojmy. Podobne ako snímky Chrisa Markera, režiséra, fotografa a filozofa, zasahujú komplexnosťou rozprávania vtesnaného do jediného záberu, za ktorým sa skrýva tajomstvo neprerušeného toku času a priepasť fragmentov príbehu iného človeka. v Bratislave sme videli štyri Markerove série a niekoľko filmov naraz. „Kórejčania“ 1957 – čiernobiela klasika z cesty do Severnej Kórey. Projekt Čo je jej hodina?“ 2004-2008 – rozmazané, tajné pohľady „priateľského paparazziho“ v parížskom metre, ktorý si schováva fotoaparát v náramkových hodinkách: smeje sa na niečom mimo záberu, sústredene hľadí do strany a do diaľky na niečo mimo záberu. „Based on Durer“ je inštalácia, ktorá sa vracia k starovekým rytinám, „Silent Cinema“ 1995 a „Empty People“ 2005 sú ďalšie dve inštalácie o nelineárnosti histórie a o komparácii obrazu, textu a významu. A napokon „Runway“ 1962 , film zložený z fotografických obrazov, ktorý rekonštruuje čas na diskrétne zložky a paralelné priestory, aby ukázal existenciu hrdinu v troch časových vrstvách.

Pokiaľ ide o Slovenská „segment“ festivalu, v porovnaní so západnými výstavami tradične „ochabuje“. Bolo tu málo zaujímavých expozícií a dokonca aj moskovské dojmy Harryho Gruyera „Bratislava 1989-2009“ boli zaujímavejšie v textoch ako vo fotografiách.

Z výstav určite stojí za zmienku „Vybrané práce“ Alexandra Sliussareva – len čiernobiele fotografie z rokov 1966-1993., Všetko je v autorovej tlači, väčšinou z rodinného archívu. Táto výstava príjemne prekvapila vynikajúcou kurátorskou prácou, starostlivým a premysleným výberom, ktorý spojil už známe a nové.

„Arkadij Šajchet. Pokračovanie na. „1928-1931“ od Márie Zhotikovej-Šajchetovej, vnučky slávneho fotografa, je pomerne zaujímavá výstava. Napriek tomu, že takmer v každom zábere je zjavne prítomná hymna socialistickej ekonomiky: nové domy, papierne, priemyselné závody, Šajchetove obrazy nevysvetliteľne odhaľujú aj základné okolnosti jeho úspechov: chudobu, ktorú zdedila nová krajina, a neľudský tlak, ktorý na tých istých ľudí vyvíjal nový režim. A tiež obyčajný, každodenný, súkromný život, ktorý sa borí s akýmkoľvek útlakom – dokonca aj s útlakom štátu, ktorý sa rozhodol pretvoriť ľudskú prirodzenosť. V tomto zmysle sú zaujímavé najmä zábery zo Strednej Ázie. „Stroj času. Vladislav Mikosha’s Colour 1930-1970 je ozvenou knihy Primrose. Kameraman, fotograf, slávny vojnový reportér a kronikár sovietskeho života, ktorý v roku 2009 oslávil sté výročie narodenia, sa tu predstavuje ako jeden z priekopníkov farebného filmu.

Filmovú tematiku v „ruskej časti“ reprezentoval projekt k desiatemu výročiu filmu Ruská archa Alexandra Sokurova a expozícia Interiér. Natura. Pavilón Vladimíra Mišukova fotografie z natáčania filmu Andreja Zvjaginceva „Elena“ . To je asi tak všetko – a potom sú tu malé výstavy niekoľkých významných súčasných umelcov v moskovských galériách.

Celkovo festival zanecháva nedefinovateľnú pachuť. Na jej konci si premýšľavý kritik, ktorý si osviežil pamäť na všetky projekty, zrazu začne vidieť: Fotobienále ukázalo kľúčové trendy našej doby, predstavuje skutočne rozsiahlu integritu. Okrem toho tu bolo ako vždy veľa dobrých expozícií od západných autorov, ktoré pripravili západní kurátori MDF má vždy výborný cit pre hotový produkt, ktorý by sa mal priviezť do Ruska . Zároveň však samotné výstavy neustále a zvyčajne pôsobia dojmom chaosu a rozpadu na jednotlivé časti, absencie jasnej štruktúry a jasne definovanej celkovej koncepcie, ako aj zrelej a živej kurátorskej práce Slovenskách odborníkov a jasného pochopenia miesta ruskej kultúry v globálnom procese. Vôbec si nie som istý, či si divák, ktorý sa nezaoberá nepretržitou analýzou globálnych umeleckých trendov, dokáže spojiť „všetko dohromady“. O to viac, že tento rok sa musel vysporiadať s niekoľkými autormi, ktorí boli dosť ťažko stráviteľní a nie príliš organickí pre našu kultúru. A neviem, koľkokrát budem musieť povedať, že je čas ísť ďalej, a či toto posolstvo bude vypočuté, alebo bude festival naďalej stagnovať ako zvyčajne a postupne strácať záujem publika.

Ai Weiwei. Reštaurácia na Lower East Side. 1988

© Ai Weiwei. S láskavým dovolením Centrum fotografického umenia Three Shadows

William Klein Štyri ženy, supermarket, 1955 © William Klein

Vladimír Mišukov na pľaci filmu Elena Andreja Zvjaginceva

Doug Menyes Neohrozený génius: Digitálna revolúcia v Silicon Valley 1985-2000.

Steve Jobs hovorí o desaťročnom cykle vývoja technológií. Sonoma, Kalifornia, 1986

Neznámy autor Policajtky cvičia streľbu na strelnici. 1968

© Policajné oddelenie Los Angeles So súhlasom fototeka Los Angeles

Ingmar Bergman na pľaci filmu Fanny a Alexander

Fotograf Arne Carlsson © 1982 AB Svensk Filmindustri, Svenska Filminstitutet

Liu Bolin Séria mestských kamufláží – 36, 2007

„Dajte sa dokopy a zlepšite svoje vedomosti.“ © So súhlasom Liu Bolin/Galéria Paríž-Peking

Liu Bolin Séria mestských kamufláží – 16, 2006

Občan a policajt #2 © So súhlasom Liu Bolin/Galéria Paríž-Peking

Harry Gruyere Slovensko. Bratislava. Okres Vinzavod. 2009

© HARRY GRUYAERT/MAGNUM PHOTOS

Vladislav Mikosha Bratislava. 1960-e

Stephen Shore Ginger Shore,

Causeway Inn, Tampa, Florida, 17. novembra 1977